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entrevista a Francesco Carril

ENTREVISTA A : FRANCESCO CARRIL

ZAWP Magazine #7

Por Richard Sahagún. Director Artístico de hACERÍA Eszeniko Club

 

Esta temporada teatral en la hACERÍA es de las que todo buen aficionado al Teatro, debería enmarcar en rojo. Y como fecha para movilizar a todo el mundo, el fin de semana del 26 y 27 de noviembre. Ese fin de semana, traemos una de las cosas que mas me apetece ver de todo el panorama teatral: el Estreno Mundial de la adaptación de Ana Karenina  del dramaturgo y director alemán Armin Petras a manos del director y actor Francesco Carril y su maravillosa compañía: Saraband Teatro.

En la residencia artística que harán esa semana previa al estreno, darán la última cocción a tan delicado montaje. Antes le hemos hecho unas preguntas para ir abriendo boca.

Un lujo tenerles en nuestro Teatro…

¿Cómo nace la Compañía Saraband y quienes la forman?.

Saraband es una compañía que nace como grupo de trabajo. Paloma Zavala, Julio Hidalgo y yo, que estudiábamos en la Resad, decidimos empezar a entrenar fuera de la escuela, cada día llevaba uno la sesión de trabajo. No teníamos dinero para tener un espacio nuestro así que trabajamos en la guardería del padre de Julio, cuando se marchaban los niños entrábamos nosotros. Siempre me pareció bonito trabajar allí, entre juguetes. Más tarde se fueron uniendo actores y actrices y apareció un texto, Fabulación, de Pasolini. En ese momento sentí una enorme necesidad de ponerlo en escena y dirigirlo. Ese fue nuestro primer montaje.

 

¿Qué aspectos de la creación escénica te interesan más como director?.

Me interesa el actor, quizá porque soy más actor que director. Me gusta que el actor esté rodeado de pocas cosas, que se le vea trabajar. Que esté en el abismo, sin demasiadas ayudas externas. Actores y espectadores. Ese encuentro entre personas vivas cada noche aún me sigue pareciendo un milagro.

¿Cuál es la línea de trabajo que seguís en vuestros montajes?.

Nosotros trabajamos siempre a partir de un texto. El trabajo con la palabra es esencial para nosotros.

Todo el tiempo me pregunto, ¿de qué puedo prescindir para contar esta situación, esta relación? Creo que el teatro debe ir hacia lo esencial. Cuando Brecht decía  ¨No me interesa la realidad, sino como son las cosas realmente¨creo que se refería precisamente a esto.

 

¿Qué te interesa de un texto para que decidas dar el paso con la aventura?

La necesidad de montarlo. En esto soy muy impulsivo. Además siento muy claramente cuando quiero actuarlo o cuando quiero dirigirlo. Las motivaciones son muy diferentes. Creo que Antonioni, describe muy bien esta sensación: El director tiene un ojo abierto hacia adentro y otro hacia afuera. En ciertos momentos las dos visiones se aproximan y se superponen como dos imágenes tratadas al fuego. Y este acuerdo entre ojo e instinto, entre ojo y conciencia, es lo que hace nacer el impulso de hablar, de hacer ver.

 

¿Quién es Armin Petras y como tomas contacto con él?

Armin Petras es un dramaturgo y director alemán. Entre 1996 y 1999 trabajó como jefe de dirección artística en el Theater Nordhausen y director escénico en Leipzig. Entre 1999 y 2002 fue director de teatro en el Staatstheater Kassel. En 2002 pasó en calidad de director estable al Schauspiel Frankfurt, donde dirige desde la temporada de 2003/2004 el Spielstätte in der Schmidtstraße. Además realiza puestas en escena en el Thalia Theater de Hamburgo y en el Deutsches Theater de Berlín, entre otros. Armin Petras también trabaja como autor con el pseudónimo Fritz Kater. Fue galardonado en 2003 con el premio de autores dramáticos de la ciudad de Mïhlheim por su obra “zeit zu lieben zeit zu sterben”. Asimismo fue elegido “dramaturgista del año” en la encuesta anual que realiza la revista “Theater heute”.

Hace unos años vino a Madrid a impartir un taller sobre Brecht. Paloma me recomendó el taller, nos inscribimos sin saber bien quién era él, sólo había oído hablar algo de su trabajo. El taller fue inspirador. Nunca había oído a nadie hablar sobre Brecht así. Paloma y yo estábamos haciendo funciones en Madrid de Las mejores intenciones, un espectáculo de la compañía y lo invité.

 

¿Qué te atrapó del texto de Armin Petras, cuales son sus características como dramaturgo?.

Dos cosas me han atrapado de la versión de Ana Karenina de Armin Petras: La primera es que está escrita sin signos de puntuación. Cuando lees el texto, entiendes que esta forma de escritura hace palpable y audible que los personajes están perdidos, como si pareciera que nunca encuentran las palabras para decir lo que realmente quieren. Como si la palabra fuera en sí mismo un fracaso. Empezar a hablar para no saber a donde llegar. La segunda es que bastante frecuentemente, los personajes hablan de sí mismos en tercera persona y tratan de explicarse a sí mismos (¿quizá también al espectador?) sus acciones. Como si a través de sus actos, trataran de comprender mejor quienes son. Como si comprendieran que no podemos controlar y entender lo que sentimos, pero si lo que hacemos.

¿Cuáes son los puntos en los que se apoya la adaptación de Petras con el texto original de Tolstoi?

Armin se centra en su versión en los siete personajes centrales de la novela: Ana, Karenin, Dolly, Kitty, Levin, Stiva y Vronsky. En realidad la versión es muy fiel a la novela. Cambia alguna edad de alguno de los personajes, pero respeta mucho la línea argumental.

 

Ana Karenina se desplaza a Moscú para que su cuñada Dolly haga las paces con su hermano Esteban…y mira la que lía(!).

es paradójico que sea ella la que yendo a solucionar, genere uno de los conflictos familiares más trágicos de la dramaturgia, ¿qué crees que quiso plantear Tolstoi con esta contradicción dramática?.

Para mi es la contradicción en la que vivimos a diario como seres humanos. Somos contradicción en estado puro.

Creemos saber muchas cosas, la sociedad nos exige que sepamos de todo, de política, de ciencia, de actualidad, pero cuando se trata de responder a preguntas que tienen que ver con nosotros mismos, no sabemos responder, y eso nos desespera.

Cada vez queremos sentirnos más jóvenes, no aceptamos nuestra edad y tratamos de cambiar nuestro físico, cada vez nos alejamos más de nosotros mismos y la comunicación con el otro se vuelve compleja. Creo que de todo esto habla Ana Karenina.

 

Tolstoi es un Genio Universal, por…?.

Por haber escrito, entre otras muchas cosas, esto:  Pero qué diferentes de los que él había imaginado eran los sentimientos que le inspiraba aquel pequeño ser! En lugar de la alegría prevista, Lievin no experimentaba más que una angustiosa piedad. De allí en adelante habría en su vida un nuevo punto vulnerable. Y el temor de ver sufrir a aquella pequeña criatura indefensa, le impidió notar el movimiento de necio orgullo que se le había escapado al oírla estornudar! (…)Entonces Lievin comprendió claramente, por primera vez, lo que no había podido captar bien después de la bendición nupcial: que el límite que les separaba era intangible, y que nunca podría saber dónde comenzaba y dónde terminaba su propia personalidad. Aquella riña le produjo un doloroso sentimiento de escisión interior. A punto de ofuscarse, comprendió enseguida que Kiti no podía ofenderle de ninguna manera, desde el momento que ella formaba parte de su propio yo. “

 

¿Cuántos meses previos al estreno vas a ensayar?.

Dos meses y medio. Esto es nuevo para mí, porque suelo hacer procesos de ensayos largos, a veces de cinco meses. Pero creo que esta función necesita comprimir esos tiempos. Veremos si tengo o no razón…

 

¿Cómo se desglosa (lectura, juego, ensayo, búsqueda, etc.) ese proceso creativo?.

Los actores y el equipo artístico hemos pasado unos días en una casa entre las montañas leyendo, cocinando, paseando, bebiendo juntos, comiendo… Esto es mucho más de lo que puedo conseguir en una sala de trabajo para formar un elenco que esté a la misma. Me parece imprescindible hacerlo y creo que en Madrid no se puede, tiene que ser en el campo, donde no hay obligaciones. Lo único que hacemos es leer y estar juntos. Tolstoi decía que la felicidad se consigue viendo la luz del sol y en el campo. Nosotros hemos sido muy felices allí. A veces fantaseo con la idea de ensayar dos meses fuera, en el campo.

 

¿Cuál fue el primer impacto al ver la hACERÍA?.

Lo que más me emocionó de la Haceria, fue entrar y saber enseguida que es un lugar que preserva bien la intimidad. Pienso que una de las cosas más difíciles en teatro es conservar la intimidad. Muchas veces los espacios la destruyen. Creo que la Hacería es un buen lugar para nuestra Ana.

Además está dirigido con criterio, pensamiento y coherencia. Es un espacio en el que apetece pasar horas. Eso no pasa con facilidad.

 

¿Le va bien la hACERÍA a Ana Karenina?.

Creo que si. Pienso que es un espacio que acogerá muy bien a nuestra Ana.

Recuerdo que hace tiempo fuimos de gira a un teatro en Ciudad Real donde el director preparaba una cena para los espectadores después de la función. Tenía la cocina detrás del escenario y durante la función podías oler la comida que nos estaba cocinando. Luego se quitaba la escenografía y cenábamos todos juntos con el público.

La Hacería, con su bar y su estructura me ha hecho recordar aquel teatro. Me encantó estar allí y estoy feliz de estrenar en la Hacería. Cada vez creo más en las cosas pequeñas, pero cuidadas y bien hechas.

 

Por cierto, ¿Qué Teatro te interesa?.

Me interesan las personas que consiguen crear un estilo propio, un sello. Me interesan las personas que eligen sus proyectos por una necesidad interna y clara de querer contar algo concreto.

 

¿Alguna Compañía o creador que debería seguirle la pista todo buen aficionado al Teatro?.

Muchas, no sabría decirte… Desde luego Cheek by jowl, tgSTAN, Kamikaze, el trabajo de Alfredo Sanzol me parece bellísimo.

 

Estrenas en la Sección Oficial de Donosti: “La Reconquista”, tu tercera colaboración con Jonás Trueba. ¿Hay algún punto en común entre como trabajas con tu compañía y su forma de trabajar con los actores?.

Creo que algo que tenemos en común es que sabemos elegir bien a nuestros aliados. Pienso que esto es fundamental. Trabajar con gente en la que crees y que admiras.

Además, él también pasa mucho tiempo con sus actores antes de empezar a rodar. Son ensayos, pero sobretodo son charlas, salir a cenar, pasear… Creo que este tipo de relación es una forma de entrenamiento… de crear un lenguaje entre las personas que van a empezar algo. Al final, el trabajo entre director y actor tiene mucho que ver con una relación amorosa… Pasas mucho tiempo juntos, te conoces muy bien, aprendes a trabajar con las debilidades y las virtudes del otro. Es una relación muy íntima. Luego, con suerte, no te separas y sigues trabajando con esas personas.

 

Para finalizar, y volviendo al montaje de Ana Karenina ¿podrías decirle a quien esté leyendo esto porqué NO debe perderse la Ana Karenina de Saraband Teatro?.

No sé qué verá cada espectador en nuestro trabajo, lo que sé es que trabajamos en libertad, que intentamos mantener una coherencia entre lo que pensamos y lo que hacemos, que Ana Karenina es un texto que me mueve y me conmueve, que habla de una generación que está perdida. Lo que van a ver son siete personas tratando de definir durante una hora y media qué significa amar. Mi puesta en escena habla del bloqueo en el que entramos cuando tenemos que hablar de algo tan primario como las relaciones entre las personas. De cómo nos aferramos a pensamientos de otros, a los criterios que oímos en las películas, en los libros y cuando no estamos preparados para responder por nosotros mismos, esto se transforma en una circunstancia trágica.

 

 

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